28.8.– 27.9. 2025
Hannah Baumann Künstlerische Leitung, Regie, Dramaturgie & Text
(Beethovenfest Fellowship)
Jan Sell Deaf Poet
Wooden Elephant
Aoife Ní Bhriain Violine
Hulda Jónsdóttir Violine
Ian Anderson Viola & Komposition
Stefan Hadjiev Violoncello
Nikolai Matthews Kontrabass
Elīna Viļuma-Helling | Peyee Chen | Patricija Škof Gesang
Gebärdenchor Klingende Hände
Susanne Tod Dramaturgie für Deutsche Gebärdensprache und Gebärdenchor
Söntke Campen Szenografie & Malerei
Vanessa Rust Kostüm
»Echoes in Limbo«
Begehbares Musiktheater
Kompositionen: Ian Anderson, inspiriert von »Echoes«, Pink Floyd und »In Limbo«, Radiohead
Texte: Hannah Baumann, Originaltexte und Anlehnungen an »Metamorphosen«, Ovid (43 v. Chr. bis 17 n. Chr.) sowie an die Songtexte von »Echoes« (1971) und »In Limbo« (2000)
»Willkommen in meinem Limbo«.
Das Stück heißt »Echoes in Limbo«.
Regisseurin Hannah Baumann zeigt das Stück in einer geheimnisvollen Berg·landschaft in einer Kirche.
Es geht um Beziehung, Einsamkeit und Mitgefühl.
Die Geschichte ist eine Collage.
Das heißt: Sie besteht aus verschiedenen Teilen.
Zum Beispiel: Text von Ovid, Musik nach dem Vorbild von Pink Floyd und Radiohead, Gebärden·poesie von Jan Sell und von dem Chor Klingende Hände.
Das Steich·quintett Wooden Elephant spielt eigene Bearbeitungen der Musik von Pink Floyd und Radiohead.
Musik und Gebärden·poesie sind gleich wichtig.
Ausgehend vom Echo-Mythos werden verschiedene Gefühle gezeigt.
Das Publikum kann sich im Raum bewegen.
Und so ganz unterschiedliche Perspektiven bekommen.
Es gibt Bewegung und Begegnung.
Echo ist der Name einer Berg·nymphe. Ein Natur·geist aus der griechischen Mythologie, nach der die Natur·erscheinung des Widerhalls benannt ist. Der antike Dichter Ovid hat Echos Geschichte in der Mythen·sammlung »Metamorphosen« beschrieben. Darin ist ihr Schicksal eng mit dem des schönen jungen Mann Narziss verknüpft.
Am Anfang ist Echo mehr als nur Klang: Sie ist eine geschwätzige Nymphe, die nie um ein Wort verlegen ist. Ihre größte Gabe sind ihre Erzählungen. Götter·vater Zeus bemerkt diese Eigenschaft und nutzt sie für sich: Oft und gerne vergnügt er sich mit den Nymphen in den Bergen – hinter dem Rücken seiner Frau Hera. Zeus beauftragt Echo damit, Hera abzulenken, damit er ungestört bei den anderen Nymphen sein kann. Echo gehorcht und verwickelt Hera in ein langes Gespräch. Doch Hera bemerkt die Täuschung und bestraft Echo dafür schwer.
Hera nimmt Echo ihre wichtigste Gabe: die eigene Sprache. Von nun an kann Echo kein Gespräch mehr anfangen, sondern nur noch die letzten Worte, die an sie gerichtet werden, wiederholen.
Wiederholen.
Wiederholen.
Echos ganzes Wesen war ihre Sprache. Davon ist fast nichts übrig·geblieben. Verstört zieht sie sich in den Wald zurück. Dort entdeckt sie Narziss, in den sie sich verliebt. Aber wie kann sie ihm jetzt noch ihre Liebe gestehen? »Ist jemand hier?«, ruft Narziss in den Wald. »Hier! Hier!« antwortet Echo. Sehnsüchtig streckt sie die Arme nach ihm aus, aber Narziss weist Echo ab. Er sagt, er wäre lieber gestorben, als mit Echo zusammen zu sein. Sie flieht in eine Höhle in den Bergen und weint mit gebrochenem Herzen. Sie weigert sich zu essen und verkümmert. Ihr Körper versteinert und wird eins mit dem Berg. Nur ihre körperlose Stimme bleibt übrig, die denen antwortet, die dem Felsen zurufen.
Zurufen.
Zurufen.
Als Widerhall begegnet sie uns auch heute noch in der Natur. Sie ist nicht mehr unter den Lebenden, aber dennoch in unserer Welt. Wie mag es ihr wohl gehen? Ihr Zustand kann als ›Limbo‹ beschrieben werden: Ein Schwebe·zustand, zwischen den Welten, auf einer Schwelle, die nicht überschritten wird.
»Strangers passing in the street
By chance two separate glances meet
I am you and what I see is me«[»Fremde, die auf der Straße aneinander vorbeigehen
Zufällig treffen sich Blicke
Ich bin du und sehe dich in mir«]– Pink Floyd
Ausgehend vom Echo-Mythos fragt Hannah Baumann: Wie treten wir mit anderen Menschen in Kontakt? »Echoes in Limbo« ist eine künstlerische Einladung zur Begegnung. Der Kirchen·raum wird zu einer begehbaren Landschaft. Szenograf Söntke Campen hat sie als geheimnisvolle Umwelt der Nymphe Echo gestaltet. In ihr gibt es keine klassische Bühne und keine festen Stühle für das Publikum. Stattdessen bewegen sich Künstler:innen und Publikum durch den Raum. Jeder Schritt verändert die Perspektive.
Die Künste begegnen sich: Musik und Gebärden·poesie treten als gleichberechtigte Kunst·formen auf, die auch improvisatorisch aufeinander reagieren. Keine von ihnen ist eine direkte Übersetzung der anderen, sondern Teile eines gemeinsamen künstlerischen Dialogs.
Jan Sell gebärdet als Deaf Poet nicht nur die Geschichte von Echo. Er setzt auch einzelne poetische Gebärden ein, um im Zusammenspiel mit der Musik bestimmte Stimmungen zu erzeugen. Unterstützt wird er dabei vom Gebärdenchor Klingende Hände. So beschreiben sie Gefühls·zustände und Zusammenhänge, die größer sind als die einzelnen Gebärden.
All diese Elemente fügen sich zu einem begehbaren Musik·theater zusammen, ein künstlerisches und ein soziales Experiment: Wer begegnet wem? Wer hört zu, wer antwortet – und auf welche Weise?
Musikalisch stehen die Bearbeitungen von Wooden Elephant im Zentrum. Das Streich·quintett hat sich auf eigene Fassungen von bekannten Popmusik-Alben spezialisiert. Dabei spielen sie wie ein klassisches Ensemble, beziehen aber auch experimentelle Klang·erzeugung ein. Mit ihnen treten drei Sängerinnen als Nymphen auf, die sich frei durch den Raum bewegen – ohne Worte, aber mit Stimm·klang.
»Unser größtes Ziel ist es, etwas zu schaffen, das für sich selbst steht. Wenn man also das Original·album nicht kennt, funktioniert es – als ein zeitgenössisches klassisches Stück.« – Ian Anderson (Wooden Elephant)
Der Song »Echoes« aus dem Jahr 1971 von der Rockband Pink Floyd ist über 20 Minuten lang. Er ist nicht nur einer der längsten, sondern auch einer der experimentellsten Songs der Band. Verzerrte Töne, gemeinsame Improvisationen, unbekannte und sphärische Klänge. Der Text scheint hinter das Klang·experiment zurückzutreten, und ist gleichzeitig doch eng mit ihm verwoben. »Echoes« drückt eine fast spirituelle Welt·anschauung aus. Die Klang·experimente verleihen dieser Geistes·haltung Ausdruck.
Pink Floyd thematisieren in »Echoes« nichts Geringeres als die Verbindung allen Lebens, den Menschen als Teil eines größeren Kosmos, vielleicht als Teil eines göttlichen Plans. Alles Leben strebt nach Wärme und Verbindung, ist Echo einer Ur-Idee. So ist der Mensch mit allen Lebewesen auf der Erde verbunden. Durch uns erklingt das Echo der Schöpfung – und von Zeit zu Zeit spüren wir das in der Begegnung mit anderen Menschen: »Ich bin du, und was ich sehe, bin ich«.
Wooden Elephant nähern sich dieser Atmosphäre mit besonderen Spiel·techniken auf ihren Streich·instrumenten an. Sie benutzen etwa ausgefallene Gegenstände, um damit auf ihren Instrumenten zu klopfen oder zu streichen. So erzeugen sie ungewohnte und neue Klänge. Dabei improvisieren sie auch – wie Pink Floyd im Original. Das erfordert sehr viel Aufmerksamkeit und gutes Hinhören – und Hinschauen, auf Jan Sell und den Gebärden·chor Klingende Hände.
Die Nymphe Echo ist in einem Limbo-Zustand: Weder hier noch dort, ewig zwischen den Welten. Ein ähnliches Gefühl verarbeitet Thom Yorke, Sänger der Band Radiohead, in dem Song »In Limbo« aus dem Album »Kid A« aus dem Jahr 2000.
Thom Yorke war zuvor lange auf Tour: Laute Musik, jubelnde Fans, ständig im Rampen·licht. Er vermisst echte Begegnung, Zuneigung, Resonanz. Doch das Tour-Leben überrollt ihn mit immer neuen Eindrücken. Gleichzeitig muss er immer weiter funktionieren. Die Belastung ist so groß, dass er schließlich in eine Depression stürzt. Die ewig andauernde Tour fühlt sich an wie ein »Limbo«. Es geht immer weiter. Irgendwie … Aber an seinem hoffnungs·losen Zustand ist keine Veränderung erkennbar.
Aus dem Song spricht ein tiefes Gefühl von Isolation und Sehnsucht nach Verstanden·werden. »In Limbo« klingt zart und desorientiert. Das Lied spiegelt gleichzeitig ein selbst·zentriertes Leben, wie es Narziss führte – und die Situation von Echo. Auf der Bühne ist Thom Yorke beides: Held und Projektions·fläche für die Träume seines Publikums.
Warum hast Du den Mythos von Echo für das Projekt ausgewählt?
Hannah Baumann: Ich bin schon immer »ultra«-fasziniert von der griechischen Mythologie und der Art und Weise, Umwelt und Lebenszusammenhänge in unglaublich poetischen Erzählungen und Naturbildern darzustellen.
Der Echo-Mythos treibt mich schon länger um.* Echo, die sich in Narziss verliebt und nur im Widerhall dieses Narzissten übrigbleibt. Die von ihm verstoßen wird und daran zugrunde geht. Da gibt es ganz viele Anknüpfungspunkte: Echo als musikalisches Phänomen, als Naturphänomen, aber auch in Bezug zum Weltgeschehen. Psychologisch ist Echo (man könnte sagen: der Echoismus) der Gegenpart zum Narzissmus. In einer tendenziell despotisch geführten Welt habe ich mich gefragt: Wo sind die ganzen Echoisten? Ab wann bringt man seine eigene Stimme, seinen eigenen Verstand zu Gehör? Ebenso bewegt mich das Versteinerungsmotiv. Ab wann fühlt man sich ohnmächtig? Ab wann setzt man seine eigene Stimme nicht mehr ein?
* Hannah widmete u. a. ihr Stipendium der TONALi Bühnenakademie zur künstlerischen Erforschung des Stoffs.
Du nennst den Abend ein »begehbares Musiktheater«. Warum nicht Konzert oder Theater?
Für meine Arbeiten suche ich immer nach einem ästhetischen Erleben, in dem sich die Erzählung in allen gewählten Mitteln wiederfindet. Bei Konzerten fehlt mir häufig der konkret erzählte Inhalt, im Sprechtheater empfinde ich oft einen harten Bruch zwischen Sprache und Musik, insbesondere zwischen intellektueller und emotionaler Ebene. Ich suche nach einem zeitgenössischen Musiktheater, in dem Erzählung, Text und Musik ineinandergreifen.
Als ich das erste Mal mit Gebärdensprache und Gebärdenpoesie in Kontakt gekommen bin, habe ich eine unglaublich poetische Ausdrucksform erlebt, in der Sprache durch den körperlichen Ausdruck zu visuellen Bildern wird und die viel zu selten auf der Bühne sichtbar ist.
War Dir von Anfang an klar, dass Du ein begehbares Musiktheater machen willst, oder ist das erst gewachsen?
Söntke Campen ist kein klassischer Bühnenbildner, sondern Maler. So sind wir relativ schnell zu einer Art begehbaren Landschaft gekommen, statt einer reinen Bühnengestaltung. Wie sich ein Publikum darin verhält, ist auch ein soziales Experiment, eine Unbekannte. Das ist aber ganz bewusst, weil es in diesem Stück um die Begegnung mit sich selbst und anderen geht.
Es geht also um zwischenmenschliche Begegnungen. Mit welchen Mitteln möchtest Du das ermöglichen?
Ein wichtiges Stichwort ist Collage. Zum Beispiel in der Verbindung aus den Stoffbahnen unseres Bühnenbilds mit der starren Architektur des Kirchenraums. Auch die Texte sind eher assoziativ, bildlich, was stark von der Gebärdensprache beeinflusst ist. Und wir collagieren natürlich Musik. Es soll keine klassische lineare Erzählung sein, sondern eher einzelne Situationen schaffen.
Ich finde es immer spannend, wenn das Publikum die Situation mitformt. Das ist ganz übergeordnet immer mein Ziel: Begegnungsräume zu eröffnen. Auch für Menschen, die sich im Alltag vielleicht nicht begegnen, in diesem Fall gehörlose und hörende Menschen.
Ein experimenteller Musiktheaterraum ohne Stühle und ohne feste Plätze. Kann es auch stören, wenn sich das Publikum durch den Raum bewegt?
Ich denke, dass das gelingt, auch wenn es natürlich mal stören kann. In unserer Vielheit bedeutet es aber, sich gegenseitig auszuhalten, weil wir diesen Raum teilen. Ich mag es, wenn das Publikum keine anonyme Masse bleibt, sondern zu einem Teil des Geschehens wird. Wenn die Menschen sich bewusst werden, wie sie mit ihrer bloßen Raumpräsenz das Geschehen mitgestalten, kann etwas sehr Kraftvolles entstehen, insbesondere in der Achtsamkeit und Aufmerksamkeit anderen gegenüber.
Wie ist die Musikauswahl entstanden? Wie setzt Du die Songs »Echoes« und »In Limbo« in Beziehung?
Ian Anderson von Wooden Elephant hat »Echoes« von Pink Floyd als Auftragswerk für dieses Musiktheater verarbeitet. Dann ist noch »In Limbo« von Radiohead dazugekommen, das Ian für ein früheres Album des Quintetts arrangiert hatte. Die Auswahl passt zum Thema unseres Stücks. Außerdem macht die Klangsprache ganz konkrete Zustände erfahrbar. Wir erzählen die Geschichte von Echo nicht nach, sondern wir laden ein in ihre Landschaft, ihr Limbo, zu einer Vor- und Nacherzählung ihrer Zustände als Echo in der Welt.
Limbo ist für mich ein Zustand des Übergangs und eines Dazwischen. Der mystische Bühnenraum, in dem sich das Publikum wiederfindet, soll das Limbo von Echo darstellen. Darin behandeln wir emotionale Zwischenzustände: Von Wut nach Trauer, von Freude nach Trostlosigkeit, von Ohnmacht in die Euphorie oder vom Stillstand in die Bewegung. Der Titel unseres Stücks »Echoes in Limbo« verbindet die Ideen beider Songs.
Meine Überzeugung ist: Die wirkliche Kunst besteht häufig im Dazwischen, dem Mystischen. Im Zusammenspiel von verschiedenen Sinneseindrücken. Ich versuche also vielleicht eine Art künstlerisches Limbo zu erschaffen.
Was bedeutet es für Dich, Deaf Poet zu sein? Wie unterscheidet sich Gebärdenpoesie von alltäglicher Deutscher Gebärdensprache (DGS)?
Jan Sell: Es gibt riesige Unterschiede. Poesie ist eine Kunstform, eine Form von Lyrik. In Konzerten gibt es oft keinen Text in geschriebener Sprache. Gebärdenpoesie bietet die Möglichkeit, den Klang poetisch in Gebärden zu formulieren.
Wie hast Du als tauber Mensch einen Zugang zu Musik? Wie nimmst Du sie wahr?
Es gibt verschiedene Lösungen. Früher war ich gar nicht so sehr auf die Musik selbst fokussiert. Ich habe eher auswendig gelernt und sehr genau hingeschaut, wann ich dran war.
Bei einem Projekt mit der Kammerakademie Potsdam habe ich zum ersten Mal einen Fühl-Gürtel (»Feelbelt«) ausprobiert. Das ist ein Gürtel, der Schallwellen in Vibrationen umwandelt. Seitdem habe ich viel damit trainiert. Das funktioniert wahnsinnig gut. So muss ich nicht mehr auf die Musiker:innen schauen, sondern kann mich auch wegdrehen.
Wie gebärdest Du poetisch zu Musik?
Musik besteht aus verschiedenen Klängen, zum Beispiel mit unterschiedlichen Instrumenten. Ich kann aber nicht darstellen: »Jetzt hören wir Bratsche, jetzt hören wir Cello«. Dazu habe ich kein Bild. Ich musste lange in mir graben und suchen, um eine Visualität dafür zu finden. Zum Beispiel kann ich darstellen, wie weit etwas entfernt ist. Oder wie intensiv es wird und dann wieder abschwillt. Da muss ich mich ganz neu einfinden und herantasten. Das hat alles gar nichts mit dem Alltag zu tun. Musik ist nicht übersetzbar oder dolmetschbar.
Welche Rolle spielt die Musik in Deinem Prozess?
Für mich spielt die Musik eine große Rolle. Sie gibt vieles vor: Wie lange habe ich Zeit für eine Darstellung? Wie sind Tempo, Rhythmus und Takt? Bei einem Musiktheater wie diesem gibt es auch Texte und einen Ablauf. Aber ohne die Live-Musik geht das für mich nicht, das ist wirklich ein echtes Zusammenspiel. Ich befinde mich quasi auch im Limbo, weil ich zwischen den Bereichen bin und alles miteinander verbinden möchte (lacht).
Die Gebärde für Empathie ist sehr wichtig in dem Stück. Was willst Du mit dieser Gebärde als poetisches Mittel ausdrücken, was über das Wort »Empathie« hinausgeht?
Die Hintergrundgeschichte ist ja: Echo wurde von der Göttin Hera bestraft. Sie ist versteinert und wurde zu einem Berg. Dieser Berg trauert um seine verlorene Liebe und sein verlorenes Leben. Wir nehmen Berge allgemein vielleicht als schön wahr, oder einfach als Teil unserer Umwelt. Aber diese andere Perspektive einzunehmen, fand ich sehr spannend. Im Text des Mythos werden Flüsse beschrieben, die aus den Tränen des Bergs entstehen. Der Berg ›weint‹ sozusagen. Das stellen wir dar. Der Chor zeigt den weinenden Berg und ich die Flüsse, die sich aus seinen Tränen entwickeln. Über dieses Bild fühlen wir uns mit dem Berg emotional verbunden. Man kann natürlich nicht mit dem Berg kommunizieren, aber man kann empathisch sein und sich einfühlen.
Was bedeutet dieses Bild auf einer zwischenmenschlichen Ebene?
Kommunikation bedeutet, im Fluss zu sein. Ohne Kommunikation lebt man nicht mehr. Aber Echo ist zu Stein geworden. Wenn wir das auf die Menschen übertragen: Durch Kommunikation schaffen wir es, in Bewegung zu bleiben, uns zu begegnen und zu helfen. Ohne Stimme – oder ohne Gebärden in meinem Fall – werden auch wir wie Steine.
Texte: David Eckmann
Wir – das Beethovenfest Bonn – laden ein, in einem offenen und respekt·vollen Miteinander Beethovenfeste zu feiern. Dafür wünschen wir uns Achtsamkeit im Umgang miteinander: vor, hinter und auf der Bühne.
Für möglicherweise auftretende Fälle von Grenzüberschreitung ist ein internes Awareness-Team ansprechbar für Publikum, Künstler:innen und Mitarbeiter:innen.
Wir sind erreichbar über eine Telefon-Hotline (+49 (0)228 2010321, im Festival täglich von 12–20 Uhr) oder per E-Mail (awareness@beethovenfest.de).
Werte und Überzeugungen unseres Miteinanders sowie weitere externe Kontakt·möglichkeiten können hier auf unserer Website aufgerufen werden.
Das Beethovenfest Bonn 2025 steht unter der Schirm·herrschaft des Minister·präsidenten des Landes Nordrhein-Westfalen, Hendrik Wüst.
Programmheft·redaktion:
Sarah Avischag Müller
Julia Grabe
Die Texte von David Eckmann sind Original·beiträge für dieses Programmheft.
