Im Kern ist das Ensemble Resonanz ein durch Musiker:innen demokratisch geführtes freies Streichensemble aus gut 20 Instrumentalist:innen. Mit einer Besetzung, die mehr als doppelt so groß ist, wartet das Ensemble zur Aufführung von Beethovens Sinfonie Nr. 5 im Großen Saal der Beethovenhalle auf. Um dem oft als »Schicksalssinfonie« bezeichneten Werk mit seinem opulenten Klang und pulsierenden Rhythmen gerecht zu werden, verstärken renommierte Gastmusiker:innen aus verschiedenen europäischen Ländern die Stammbesetzung durch Blas- und Schlaginstrumente. Das markante Anfangsmotiv aus den vier berühmten Tönen (Ta-da-da-daaa!!) ist allseits bekannt. Anfang des 19. Jahrhunderts sprengte die Sinfonie durch den Einsatz unkonventioneller kompositorischer Mittel traditionelle formale Grenzen.

Nach der Pause geht es unkonventionell weiter. »Das Publikum findet eine offene Situation in der Beethovenhalle vor: Notenständer stehen im gesamten Zuschauerraum an unterschiedlichen Orten verteilt, um die man herumlaufen kann«, erklärt Anselm Dalferth. Der preisgekrönte Konzertgestalter, Regisseur, Musiker und Professor für Konzert und Performance an der staatlichen Hochschule für Musik in Nürnberg ist der Dramaturg der zweiten Konzerthälfte. »Die Grundidee ist, Menschen auf künstlerische Art zusammenzubringen. Es geht um eine musikalische Begegnung, aber auch um eine von Menschen, die Unterschiedliches mitbringen. Für mich ist immer wichtig, dass bei einem Konzert Künstler:innen und Publikum in einem Raum aktiv aufeinandertreffen. Das Publikum wird so ein Teil der Begegnung«, erläutert Dalferth.

Die Konzertbesucher:innen haben die Möglichkeit, die experimentellen und minimalistischen Kompositionen des amerikanischen Komponisten James Tenney mitzugestalten. Einerseits folgen die Musiker:innen des Ensemble Resonanz Tenneys grafischer Notation, während sie dessen Werke spielen: Das in der Lautstärke anschwellende Swell Piece #2 und den Vokalkanon A Rose is a Rose is a Round – zwei Stücke aus Tenneys berühmter Serie Postal Pieces, die er um 1971 auf Postkarten druckte und an Freund:innen verschickte. Andererseits improvisieren die Mitglieder des Streichensembles über das, was das Publikum im Vorfeld für sie auf Postkarten geschrieben oder gemalt hat: »Sätze möglicherweise wie ›Ich freue mich auf dieses Konzert‹ oder eine Zeichnung, die das Zuhause von jemanden zeigt«, meint Anselm Dalferth. Er hatte die Idee zu der Aktion. Im Verlauf dieser einleitenden Musik laufen die Musiker:innen dann vom Zuschauerraum zur Bühne, wo Momi Maiga und Aleix Tobías sie erwarten. Der katalanische Schlagzeuger und Perkussionist ist Teil des Quartetts, das Momi Maiga im spanischen Girona gegründet hat, wo er seit 2019 lebt.

Am Anfang der spannenden musikalischen Begegnung des Ensemble Resonanz mit Momi Maiga stehen vier Kompositionen des westafrikanischen Griots, der aus einer Familie stammt, die seit vielen Generationen die mündlich überlieferte Musiktradition ihrer Heimat pflegt. In seinem Stück Fonyo ist der Sänger in seiner Herkunftssprache Mandinka zu hören. Mit seiner berührenden hellen Stimme singt er darin von der belebenden Kraft des Winds. Das treibende Lied im unregelmäßigen Siebener-Takt ist gleichzeitig ein Ruf nach Freiheit und ein Plädoyer dafür, dass die Fesseln kolonialer Unterdrückung gesprengt werden und eine neue Ära der Gerechtigkeit in Afrika anbricht. 

In dem melancholischen Stück Kele bittet der 29-Jährige eindringlich um Frieden auf der Welt. Mbolo greift das Thema Gemeinschaft auf und stellt heraus, wie stark sich verschiedene Kulturen gegenseitig bereichern. Musikalisch unterstrichen wird das durch die Verbindung des westafrikanischen Rhythmus Konkoba mit Flamenco und mediterranen Einflüssen. Seine atemberaubende Virtuosität auf den 22 Saiten seines Instruments zeigt Momi Maiga dann noch einmal im Instrumentalstück Dadje. Die vier Kompositionen hat er 2022 auf seinem Debütalbum Nio (Seele) sowie 2024 auf seinem zweiten Album Kairo (Frieden) veröffentlicht. »Im Zusammenspiel mit dem Ensemble Resonanz klingen sie aber ganz anders, als wenn ich sie mit meinem Quartett spiele«, betont der kosmopolitische Musiker.

»In den neuen Arrangements erscheinen die Stücke von Momi in einem ganz anderen Licht«, bestätigt Anselm Dalferth. »Der britische Komponist Nicholas Morrish hat sie so bearbeitet, dass die Band von Momi Maiga nicht einfach durch das Ensemble Resonanz ersetzt wird, sondern dass die Identität des Hamburger Streichensembles mit einfließt, zum Beispiel durch gewisse zeitgenössische Spieltechniken. Dadurch erfährt seine Musik noch einmal neue Facetten.« 

Für die Musiker:innen des Ensemble Resonanz ist es streckenweise durchaus eine Herausforderung, die Kompositionen von Momi Maiga zu spielen – trotz ihrer erstklassigen Ausbildung und reichhaltigen Erfahrung mit Musik ganz unterschiedlicher Art, verrät der Bratschist des Ensembles Tim-Erik Winzer. »Die rhythmische Welt dieser westafrikanischen Tradition enthält teilweise sehr komplexe Rhythmen. Sie sind für uns zwar extra aufgeschrieben worden, aber es ist nicht immer sofort genau erkennbar, wie ein Musiker wie Momi Maiga diese Rhythmen fühlt und differenziert und wo genau die Betonungen sind. Deshalb war es für uns entscheidend, dass wir vor dem Konzert gemeinsam mit ihm proben.«

Die Magie, die sich im Konzert über die Musik entfaltet, ist das Ergebnis sensiblen Aufeinanderzugehens. Da die westafrikanische Musiktradition, in der Momi Maiga steht, traditionell rein mündlich weitergegeben wird, hat der geniale Kora-Spieler nie gelernt, Noten zu lesen. »Momi hat grundsätzlich eine ganz andere Herangehensweise an Musik. Sie ist sehr viel stärker aus der inneren Stimme gespeist. Es ist total spannend zu sehen, wie das zusammenkommt, denn es schafft natürlich teilweise Schwierigkeiten«, erzählt Anselm Dalferth. »Um Momi Maigas Musik gemeinsam mit Werken aus unserem Kulturkreis zu spielen, die auf Partituren notiert sind, haben wir mit dem Ensemble Resonanz einen neuen Weg eingeschlagen«, berichtet Tim-Erik Winzer. »Wir haben ihm kurze Abschnitte von Musik, die aus unserer Ecke kommt, vorgespielt und dann geschaut, wie er diese Musik hört und was ihm dazu einfällt. Er ist ja ein ganz großartiger Improvisateur, der einfach übers Ohr und Herz den ganzen Tag Musik erfindet. Wir haben viel Zeit miteinander verbracht und viel ausprobiert.«

»Ich habe bei dieser Probe viel gelernt«, offenbart Momi Maiga. »Wir haben unsere verschiedenen Denkweisen dabei miteinander zu verschmelzen versucht: meine oral tradierte Herangehensweise, bei der ich einfach zuhöre und dazu im Augenblick etwas improvisiere – und die schriftlich geprägte Form der klassischen Musik, in der man genau das spielen muss, was auf den Notenblättern steht. Wir haben diese beiden Welten miteinander vermischt.« Im Programm ihres gemeinsamen Konzerts in der Beethovenhalle bietet die Komposition Funtukuru dabei bereits von vorne herein eine Schnittstelle zwischen der Heimatkultur Momi Maigas und des Ensemble Resonanz. Das Stück basiert auf dem traditionellen Händeklatschspiel Tegere Toulon, das in Westafrika junge Mädchen spielen. Die malische Sängerin Hawa Kassé Mady Diabaté hat das Stück 2018 komponiert, als Teil des Projekts 50 for the Future. Damit ist es eins von 50 neuen Werken für Streichquartett, die im Auftrag des Kronos Quartet von zeitgenössischen Komponist:innen aus aller Welt geschaffen wurden.

Völlig neues Terrain betritt Momi Maiga, wenn er zusammen mit dem Ensemble Resonanz Carl Philipp Emanuel Bachs Andante aus der Sinfonia G-Dur Wq. 173 spielt. Gemäß der Idee des Konzerts, dass die Künstler:innen darin Werke vortragen, in denen sie sich musikalisch zu Hause fühlen, schlug Tim-Erik Winzer vor, auch etwas aus dem 18. Jahrhundert von dem berühmtesten Sohns Johann Sebastian Bachs zu spielen. C. P. E. Bach verbrachte die letzten 20 Jahre seines Lebens in Hamburg und prägte dort stark die Musikszene. »Er war ein großer Freigeist seiner Zeit und ist mit seiner klassischen, aber auch wilden Musik eine sehr gute Beschreibung dessen, was das Ensemble zum Teil ausmacht«, findet Tim-Erik Winzer. 

Bei der Auswahl der Komposition wurde darauf geachtet, dass sie in einer Tonart steht, die auch Momi Maiga auf seinem diatonischen Instrument spielen kann, ohne es vorher umstimmen zu müssen. Bei Bach sei er nervöser als bei den Werken anderer Komponist:innen, gesteht Momi Maiga. Und fügt hinzu: »Aber wir gehen das Ganze von meiner Denk- und Arbeitsweise aus an und verbinden es dann mit der Welt der klassischen Musik. Es wird also Bach sein, aber anders.«

Auch die Komposition Impermanence des US-amerikanischen Komponisten Bryce Dessner, Grammy-Preisträger unter anderem als Gitarrist der Indie-Rockband The National, steht mit seiner grenzüberschreitenden Musik stellvertretend für die musikalische Heimat des Ensemble Resonanz. »Dessners Musik ist ziemlich offen komponiert. Sie ist zeitgenössisch angelegt, aber enthält teilweise auch alte Harmonien, die relativ einfach sind. Die sind grundsätzlich sehr anregend für Improvisationen. Wir setzen darin einige zeitgenössische Spieltechniken ein, die ein bisschen mehr ins Geräuschhafte gehen«, führt Tim-Erik Winzer aus. Diese Art zu Musizieren war für Momi Maiga eine Entdeckung, die ihn inspiriert hat, ebenfalls Neues auszuprobieren. »Ich habe zum ersten Mal Effekte auf der Kora erzeugt, z. B. indem ich auf den Saiten die Finger hoch und runter schiebe oder Percussion auf dem Steg spiele«, schildert er.

Das Konzert von Momi Maiga & Ensemble Resonanz verklingt mit dem Stück Marejada der puerto-ricanischen Komponistin Angélica Négron. Diese weitere Komposition aus der Musiksammlung 50 for the Future ist ebenso neu im Repertoire des Hamburger Streichensembles wie für den westafrikanischen Musiker. Der spanische Titel des Werks bezieht sich auf das stürmische Meer. Die Komponistin lässt darin unter anderem Klangcollagen aus ihrer Heimat einfließen. »Das Stück bietet eine sehr gute Möglichkeit, klassisches Musizieren mit einer großen Freiheit zu verbinden«, bemerkt Tim-Erik Winzer. 

Anselm Dalferth greift diese Freiheit auf, um auch abschließend noch einmal das Publikum durch das Mitgestalten der Musik zu einem aktiven Teil der Aufführung zu machen. Über einen QR-Code, der vor dem Konzert gescannt werden kann, können die Besucher:innen Soundfiles auf ihren Handys abspielen, die etwa das Rauschen von Wellen wiedergeben. Damit geht ein ungewöhnlicher Konzertabend mit mitreißender Musik voll origineller Ideen und sehr speziellen Begegnungen zu Ende.

Momi Maiga ist ein virtuoser Kora-Spieler, fesselnder Sänger und autodidaktischer Komponist, der für seine Sensibilität und die Fähigkeit, Jazz, Flamenco und klassische Einflüsse zu verbinden, gefeiert wird. Er singt hauptsächlich in den Sprachen Mandinka und Wolof und seine Texte behandeln universelle Themen wie Migration, Bildung und soziale Gerechtigkeit.

Maiga wurde im Süden Senegals geboren und gehört zur Griot-Musikerfamilie Cissokho. Seit seiner Kindheit ist er von den musikalischen Traditionen Westafrikas geprägt und verkörpert dieses jahrhundertealte Erbe, während er ihm seine eigene zeitgenössische Stimme verleiht. Mit sechs Jahren begann er, Kora zu spielen, und erlangte aufgrund seines Talents schnell Bekanntheit.

Maiga lebt in Spanien und hat sich als Bandleader, Sänger und Komponist international einen Namen gemacht. Mit seinen beiden Alben Nio (2022) und Kairo (2024) tourte er ausgiebig durch ganz Europa. Zudem arbeitete er mit renommierten Künstler:innen wie Jordi Savall, Youssou N’Dour, Amaro Freitas und Silvia Perez Cruz zusammen.

Aleix Tobías ist Perkussionist, Schlagzeuger, Sänger und Komponist und eine der vielseitigsten Persönlichkeiten der katalanischen Musikszene. Seine Karriere ist eng mit Roots-Musik, iberischer Percussion, Weltmusik und zeitgenössischem Schaffen verbunden. Als Gründer von Coetus, dem iberischen Percussion-Orchester, hat er mit Künstler:innen wie Marco Mezquida, Sílvia Pérez Cruz, Aziza Brahim, Judit Neddermann, Eliseo Parra, Maria del Mar Bonet und Raúl Rodríguez zusammengearbeitet. In Momi Maigas Quartett schafft er mit seinem rhythmischen Instrumentarium Energie, Tiefe und eine organische Verbindung zwischen afrikanischer Tradition, dem Mittelmeerraum und zeitgenössischen Musiksprachen.

»Was mich an der Zusammenarbeit mit dem Ensemble Resonanz vom ersten Augenblick an begeistert hat, war die Liebe, mit der es jedem Komponisten, dem wir uns angenähert haben, begegnet ist. Diese Fähigkeit, förmlich die Hautfarbe zu wechseln, je nachdem, auf welchen Stein es seinen Fuß setzt, ist eine große Stärke des Ensembles.«

Musikhistorische Quellenforschung, energiegeladene Orchesterleitung und eine einzigartige musikalische Vision zeichnen den in Rom geborenen Geiger und Dirigenten Riccardo Minasi aus. Er war Mitbegründer und Leiter des Ensemble Il Pomo d’Oro von 2012 bis 2015, seit 2017 ist er Chefdirigent des Mozarteumorchester Salzburg und seit 2022 Künstlerischer Leiter des Orchesters La Scintilla am Opernhaus Zürich.

Mit dem Ensemble Resonanz verbindet ihn seit 2014 eine fruchtbare musikalische Zusammenarbeit, die sich ab der Saison 2022/23 intensivierte und mit der Ernennung als »Principal Guest Conductor« eine unbefristete Perspektive erhielt. Von der besonderen Verbindung zwischen Dirigent und Ensemble zeugen zahlreiche gemeinsame Konzerte und preisgekrönte CD-Einspielungen mit Werken von C. P. E. Bach (mit dem Cellisten Jean-Guihen Queyras), Haydn, Mozart, Pergolesi und Beethoven. Gemeinsam haben sie ein spezifisches Klangbild für dieses Repertoire entwickelt, dem gleichermaßen historisch begründete wie zeitgenössische Interpretationen auf modernen Instrumenten zu Grunde liegen.

Mit Spielfreude, Neugier und künstlerischer Eigenständigkeit zählt das Ensemble Resonanz zu den weltweit vielseitigsten Kammerorchestern. Das demokratisch organisierte, 21-köpfige Streichorchester arbeitet ohne feste Leitung und setzt klassisches Repertoire in Dialog mit zeitgenössischer Musik.

Wichtige Impulse setzen künstlerische Partner wie Riccardo Minasi (»Principal Guest Conductor & Partner in Crime«) sowie Tabea Zimmermann und Jean-Guihen Queyras. Das Ensemble arbeitet regelmäßig mit namhaften Solist:innen zusammen und bringt neue Werke internationaler Komponist:innen zur Uraufführung.

Seit Eröffnung der Elbphilharmonie ist das Ensemble dort Residenzorchester und prägt mit der Reihe »resonanzen« das Hamburger Musikleben. In St. Pauli betreibt es zudem den resonanzraum – einen europaweit einzigartigen Clubraum, der Klassik mit Clubkultur, Elektronik und Diskurs verbindet. Über Hamburg hinaus gastiert das Ensemble auf internationalen Festivals und in führenden Konzerthäusern weltweit.

Anselm Dalferth ist Konzertgestalter, Regisseur, Vermittler und Musiker, der künstlerisch den Begegnungs- und Beziehungsraum zwischen Künstler:innen und Publikum erforscht. Dabei verbindet er Techniken der Inszenierung in Musiktheater und Konzert mit performativen und vermittelnden Ansätzen. Um Teilhabe zu fördern, entwickelt er Projekte gleichberechtigt für erwachsenes und junges Publikum. 

Er inszeniert Opern, Konzerte und Theater, gestaltet Performances, führt partizipative Projekte mit Bürger:innen durch, entwickelt Stücke und schreibt Musik. Sein künstlerisches Engagement führt ihn etwa an die Elbphilharmonie Hamburg, zum Beethoven Orchester Bonn, dem Musikverein Wien und dem Strathmore Arts Center Washington.

Dalferth war künstlerischer Leiter des »Hörtheater« am Staatstheater Mainz, der Konzertreihe »Mara, die Mannheimer Rakete« am Nationaltheater Mannheim, des Festivals Sound of the City an der Oper Wuppertal und beim D-bü Wettbewerb Studierender der Deutschen Musikhochschulen. Er lehrt als Professor für Konzert und Performance an der Hochschule für Musik Nürnberg.