In einem Interview während seiner letzten Lebensjahre sprach Gija Kantscheli über sein künstlerisches Arbeiten in der Sowjetunion. Als freischaffender Komponist, der sich im gesamten Spektrum von zeitgenössischer Komposition über Film- bis hin zu Unterhaltungsmusik bewegte, tanzte er ideologisch aus der Reihe und wurde deshalb wiederholt kritisiert. Sein Verhältnis zu seinem Geburtsland Georgien beschrieb er als zwiespältig. Dennoch blieb die Faszination für die reiche georgische Musikkultur für ihn stets ein Anker, der ihn immer wieder aufs Neue inspirierte – auch nachdem er 1991 nach dem Fall des Eisernen Vorhangs in den Westen übersiedelte.

Auf die Frage, weshalb er häufig so extreme Lautstärke-Kontraste in seiner Musik verwende, antwortete er doppelbödig:

In seinem Werk Sio (georgisch: »Wind«) finden wir eine zerklüftete Musikwelt vor: Es dominieren extreme Klangfarben, die zwar manchmal zusammenkommen, sich aber auch schnell wieder voneinander trennen. Mehrmals werden Höhepunkte angesteuert, jedoch nicht eingelöst oder mit herben Einschnitten regelrecht abgewürgt. Das Stück ist auf vielen Ebenen von scharfen Kontrasten geprägt. Das gilt nicht nur für die Lautstärken, sondern ebenso für die klanglichen Texturen – diese werden schroff gegenübergestellt, klaffen zuweilen geradezu auseinander und wechseln permanent: Spitze, metallische, holzige, aber auch sanfte, beinahe schon farblos-geisterhafte Momente.
 

Es ist schwer von der Hand zu weisen, dass Sio einen gewissen Zwiespalt widerspiegelt. Doch inwieweit und auf welche Art Biografie und Komposition letztlich zusammenhängen, ist vielleicht am Ende eine Frage, die für das Konzerterlebnis nicht zentral ist. Kantschelis Rat war diesbezüglich: »Jeder muss sich sein eigenes Programm zusammenstellen. Darin liegt der ganze Reiz der Musik – in ihrer Abstraktheit.«

Der Beginn des Violinkonzerts (Allegro moderato) von Jean Sibelius ist, im ursprünglichen Sinne des Worts, traumhaft: Es ist charakteristisch für Träume, dass deren Anfang nicht so recht greifbar ist. Hier ist es ähnlich: Plötzlich ist man mitten im Klang. Die ersten Takte sind so sanft und subtil, dass man sie beinahe nicht bemerkt und gleichzeitig vergisst, dass die Musik erst vor wenigen Augenblicken eingesetzt hat.

Von Sibelius’ Violinkonzert wird heute häufig geschwärmt – ganz im Gegensatz zur Entstehungszeit. Je nach Perspektive wäre damals ›albtraumhaft‹ vielleicht eine bessere Umschreibung gewesen, denn die erste Fassung des 1903 entstandenen Werks kam bei den Kritiker:innen überhaupt nicht gut an. Aufgrund von finanziellem Druck entschied sich Sibelius für eine eher ungewöhnliche Vorverlegung der Uraufführung. Das erwies sich jedoch als Fehler: Durch die Verschiebung war eine Umbesetzung des Solisten nötig und die noch verbleibende Zeit reichte schlichtweg nicht für eine solide Einstudierung. Die Uraufführung war ein Flop.

Das Konzert gilt schon immer als technisch äußerst anspruchsvoll: Während es bereits im ersten Satz von Konstruktionen mit großen Sprüngen und komplizierten Rhythmen nur so wimmelt, ist die Musik im mittleren Satz (Adagio di molto) insgesamt weitaus gesetzter, aber auch dunkler in den Klangfarben. Das hält allerdings nicht allzu lange: Der ikonische letzte Satz (Allegro, ma non tanto) mit der markanten rhythmischen Melodie der Solo-Violine ist musikalisch codierte Rastlosigkeit. Sie scheint unermüdlich in Bewegung zu sein und überträgt sich auf alle Tonlagen und -register des Orchesters.

Die Solo-Violine fiedelt wie aberwitzig und das Spektrum ist beeindruckend: Sie grätscht in die Saiten, springt in halsbrecherischem Tempo hinauf und wieder hinunter, von vollen, tiefen bis hin zu flötenden, höchsten, fahlen Klangfarben. Da verwundert es nicht, dass Sibelius seinen Finalsatz selbst mit einem »Danse macabre« – einem Totentanz – verglichen hat.

Zugegebenermaßen wirken sie heute in unserem digitalisierten Leben etwas verstaubt: Reiseführer. Im Internet finden wir im Grunde zu beinahe jedem Fleckchen auf diesem Planeten nicht nur aktuelle Informationen und Daten, sondern auch Fotos, Videos oder gar Livestreams. Die Organisation einer Reise braucht ebenfalls oft nur wenige Klicks.

Als Felix Mendelssohn Bartholdy Ende 1829 von den britischen Inseln auf den Kontinent zurückgekehrt war, ließ die nächste Reise nicht lange auf sich warten: Gleich im Frühling des Folgejahrs brach er in Richtung Italien auf. Reisen dieser Dimension waren aufwendig, teuer, beschwerlich und – je abgelegener das Ziel – oft auch eine Fahrt ins Ungewisse, die solide geplant werden musste. Hier brauchte es eine hilfreiche Orientierung: die über ein Jahrzehnt zuvor erschienene Italienische Reise von Goethe, die Mendelssohn ausgiebig konsultierte.

Die »Italienische« Sinfonie ist ein Ergebnis von Mendelssohns anderthalbjähriger Reise und gilt als ein Klassiker der Konzertliteratur, der regelmäßig in den Programmen zu finden ist. Doch die besondere Wirkung des Eröffnungssatzes (Allegro vivace) scheint sich nicht im Geringsten abzunutzen: Der Beginn ist ein bisschen wie die Anspannung im Augenblick kurz vor einem ersehnten Ereignis, die dann schlagartig abfällt – wie bei einer Konfettikanone: Vorfreude, es knallt und plötzlich regnet es Farben.

Nach der Energie des Anfangs kommt das Geschehen im Andante con moto ein wenig zur Ruhe – die Konturen sind nun runder, die Musik getragener. Im Gegensatz zum Eröffnungssatz wirkt sie in sich gekehrt, fast schon kontemplativ. Häufig fungiert der zweite Satz einer Sinfonie als eine Art Ruhepol, auf den ein belebterer dritter Satz folgt. Mendelssohn setzte an diese Stelle aber erneut ein eher moderat bewegtes Menuett, um die Satzbezeichnung aufzugreifen (Con moto moderato). Dieses ist allerdings schon mit subtilen Vorgriffen auf den letzten Satz (Presto) gespickt, die immer wieder wie kleine rhythmische Blitze aufleuchten.

Im Finale wird noch einmal richtig an Fahrt aufgenommen: Mendelssohn griff hier den Saltarello auf, einen italienischen Springtanz mit Wurzeln im Mittelalter. Auch wenn die Energie dem ersten Satz in nichts nachsteht, scheint die Leichtigkeit verflogen zu sein. Es dominieren dunkle Klangfarben und Harmonien in Moll. Aber Hand aufs Herz: Wer ist auf der Rückreise nach einer schönen Zeit in Italien nicht ein bisschen geknickt?

Die georgisch-stämmige deutsche Violinistin Lisa ­Batiashvili ist eine vielfach ausgezeichnete Musikerin und hat Beziehungen zu den weltbesten Orchestern, Dirigent:innen und Solist:innen aufgebaut. Sie spielt eine Joseph Guarneri del Gesu Violine aus dem Jahre 1739. Batiashvili spielt und tourt regelmäßig mit verschiedenen Ensembles, etwa mit dem Oslo Philharmonic Orchestra, der Filarmonica della Scala, dem City of Birmingham Symphony Orchestra und dem Los Angeles Philharmonic Orchestra. Kammermusikalisch ist sie auf Tourneen im Klaviertrio mit Jean-Yves Thibaudet und Gautier Capuçon sowie im Duo mit Giorgi Gigashvili zu erleben.

2021 gründete sie die Lisa Batiashvili Foundation, in der sie sich für die Unterstützung junger, hochtalentierter georgischer Musiker:innen engagiert. 2006 erhielt sie für ihre herausragende Beethoven-Interpretation beim Beethovenfest Bonn den Beethoven-Ring der Bürger für Beethoven. 22025 wurde Batiashvili mit dem Kaiser-Otto-Preis der Stadt Magdeburg für ihren Einsatz gegen Krieg und Antisemitismus und für die Förderung des europäischen Gedankens sowie mit dem Pro Meritis Scientiae et Litterarum des Bayerischen Staatsministeriums geehrt.

Die in Finnland lebende Dirigentin Dalia Stasevska hat sich als eine führende musikalische Stimme und furchtlose Aktivistin für Wandel etabliert. Sie hat die Rolle der Ersten Gastdirigentin des BBC Symphony Orchestra inne und tritt mit führenden Orchestern wie dem New York Philharmonic, den Berliner Philharmonikern und dem Česká filharmonie auf.

Stasevska ist eine leidenschaftliche Operndirigentin und dirigierte an der Glyndebourne Festival Opera, der Finnischen Nationaloper und der Norske Opera. Debüts hatte sie u. a. an der Los Angeles Opera mit Philip Glass’ Akhnaten sowie an der Deutschen Oper Berlin mit Brittens A Midsummer Night’s Dream. Weitere Engagements führten sie zur Metropolitan Opera und zum Royal Opera House in London.

Im Jahr 2025 wurde sie von European Voice in Anerkennung für ihren Einsatz für europäische Werte und Demokratie als »European of the Year« geehrt. Weitere Auszeichnungen sind »Personality of the Year« vom BBC Music Magazine, der Alfred Kordelin Preis, der Royal Philharmonic Society’s Conductor Award und der Orden der Fürstin Olga der Ukraine.

Die Dresdner Philharmonie steht für musikalische Bildung für alle Generationen und Offenheit für neue Ideen. Das Ensemble zeichnet sich durch eine stilistische Flexibilität aus, die vom Barock über die Wiener Klassik bis zur Gegenwart reicht – seine Diskografie umfasst über 330 Werke. Gastspiele auf fast allen Kontinenten und Kooperationen mit herausragenden Künstler:innen aus aller Welt prägen sein Profil.

Ein besonderes Anliegen des Orchesters ist die Förderung junger Talente. Zu diesem Zweck nimmt es hochbegabte Musiker:innen in seine Orchesterakademie, die Kurt Masur Akademie, auf. Darüber hinaus engagiert sich die Dresdner Philharmonie in der Musikvermittlung – mit Familien- und Schulkonzerten, innovativen Kurzkonzertreihen und digitalen Angeboten.

Seit seiner Gründung 1871 haben zahlreiche renommierte Dirigent:innen das Orchester geprägt – seit der Saison 2025/26 ist Sir Donald Runnicles Chefdirigent. Ebenfalls seit dieser Saison hat Tabita Berglund das Amt als Erste Gastdirigentin inne.