Alarm Will Sound – der Name des US-amerikanischen Kammerorchesters stammt von der Beschriftung eines Notausgangs: wer hindurchtritt, löst ein akustisches Signal aus. Der Name ist keine Warnung, sondern illustriert das, wofür das Ensemble seit über zwei Jahrzehnten steht: Musik, die Hörgewohnheiten irritiert, vertraute Kategorien hinterfragt und sinnliche Aufmerksamkeit schärft. In enger Zusammenarbeit mit einer jungen Komponist:innen-Generation entwickelt Alarm Will Sound ein zeitgemäßes Repertoire, bei dem vermeintliche Gegensätze hybrid ineinandergreifen: Klang und Bild, Instrument und Elektronik, künstlerische Praxis und gesellschaftlicher Diskurs. Gemeinsam ist diesem Repertoire weniger ein einheitlicher Stil als ein geteilter Erfahrungshorizont, der das künstlerische ›Zuhause‹ dieser häufig als Millennials bezeichneten Generation definiert.

Eine markante Stimme dieser Generation ist Beethovenfest-Fellow Brittany J. Green (*1991). gLitchED dreams//invisible BEINGS verbindet Afrobeat, Minimalismus und Experimentalmusik zu einem afrofuturistischen »sonic storytelling«, das Fragen von (Un-)Sichtbarkeit und Identität in Wort, Klang und Bild verhandelt. 

Das Stück beginnt in einem klanglichen Cyberspace, aus dem eine Stimme heraustritt: »Eye do not exist«. Spricht hier der Android Eye, der Protagonist des Stücks? Jedenfalls ist es die Äußerung einer Existenz, die gesellschaftlich überhört und unsichtbar gemacht wird. Während im Live-Video traumartige Sequenzen ablaufen (dreams), schälen sich auf musikalischer Ebene immer wieder bekannte musikalische Idiome wie Ragtime-Anklänge, gezupfte Basslinien und repetitive Pattern heraus, die Green nicht reproduziert, sondern dekonstruiert – und zwar mithilfe des titelgebenden gLitch. Ursprünglich bezeichnet der Glitch einen technischen Fehler; bei Green wird er zum kompositorischen Prinzip: Repetitive Patterns geraten aus dem Takt, Rhythmen verschieben sich gegeneinander, vertraute Idiome blitzen auf und brechen wieder auseinander. Sie versteht den Glich als »mode of existence«, der normative Sicht- und Hörordnungen irritiert und so invisible BEINGS wahrnehmbar macht: etwa den Androiden Eye, den das Stück und die Zuhörenden auf seiner Suche nach einem Ort begleiten, an dem das eigene Selbst zu existieren beginnt.

Vor diesem Hintergrund erhält auch das Motto des diesjährigen Beethovenfests eine besondere Lesart: »Nach Hause/Daheim« erscheint weniger als gegebener Ort denn als ein Zustand der Sicherheit und Geborgenheit. Green fragt aus einer afrodiasporischen Perspektive, was ›Daheim‹ für jene invisible BEINGS bedeutet, die unsichtbar und unerhört bleiben; die keinen Ort haben, an den sie zurückkehren können – und stattdessen ein ›Zuhause‹ in der Ferne oder Zukunft suchen.

Uraufgeführt: 2023 durch Alarm Will Sound

Bei Christian Quiñones (*1996) steht das Hören selbst zur Disposition. Ausgangspunkt für Hasta que no pueda ist die fortschreitende Hörbeeinträchtigung seiner Mutter. Aus der Frage »How would my mom listen to this?« entsteht kein musikalisches Porträt, sondern ein Gedankenexperiment: Wie verändert sich Musik und mit ihr die Erfahrung der Welt, wenn sich die Bedingungen des Hörens verändern? In der Vorstellung des Komponisten ist es eine »seltsame, verformte Version der Welt, die wir hören. Sie klingt beinahe wie eine alte Platte, als wäre man unter Wasser, wie ein lautes Summen/Dröhnen – alles ist verzerrt.«

Das Stück beginnt mit fragmentierten Impulsen, aus denen eine verwirrende und faszinierende Klangwelt entsteht, in der verzerrte Erinnerungsspuren anklingen, ohne je greifbar zu werden. Gegeneinander laufende Rhythmen und ›unsaubere‹ Repetitionen entwickeln nach und nach einen seltsam fesselnden Drive, der schließlich unvermittelt abreißt und in einem nur langsam verebbenden, gequälten Liegeton ausklingt – bis wir irgendwann ins Nichts lauschen.

Uraufgeführt: 21. März 2023, Princeton University, durch Alarm Will Sound

Elijah Daniel Smith (*1995) verbindet das Hören unmittelbar mit dem Sehsinn – zu einer Audio-Vision. Der Titel Vermillion Glare bezeichnet jenen Moment gleißenden Lichts, in dem Konturen verschwimmen und Farben mit besonderer Intensität hervortreten. Genau diesen geblendeten Wahrnehmungszustand übersetzt Smith ins Musikalische: Klänge schimmern, überlagern und verwandeln sich beinahe unmerklich; weniger als klar umrissene Ereignisse denn als kontinuierliche Veränderungen eines gemeinsamen Farbraums. Die Komposition entwickelt sich nicht erzählerisch, sondern atmosphärisch: Wie im flirrenden Abendlicht beginnen auch hier die Konturen zu verschwimmen, während sich die Musik langsam in immer neuen Schattierungen entfaltet, bis die Ohren zu ›blinzeln‹ beginnen.

Uraufgeführt: 26. März 2024, Carnegie Hall New York, durch Alarm Will Sound

Chris P. Thompsons (*1978) komponierte Hanabi ursprünglich als rein elektronisches Stück – als »in-ear extended mix«, also einer abgemischten Tonspur für das intensive und ausgesteuerte Lauschen über Kopfhörer. Für Alarm Will Sound wurde es als Sinfonietta neu arrangiert, sodass nun akustische Instrumente die elektronischen Klangwelten imitieren. Der Titel Hanabi bedeutet wörtlich übersetzt »Feuerblumen« und ist der japanische Begriff für Feuerwerk – ein treffendes Bild für die Dramaturgie des Stücks, in dem kurze Impulse, aufploppende Klangereignisse, schwebende Flächen und pulsierende Rhythmen immer neue Konstellationen bilden. Der eigentliche Reiz des Wechsels vom Elektronischen zum Instrumentalen liegt dabei weniger in der Übertragung selbst als in der Wirkung: Aus einer Musik für Kopfhörer und Lautsprecher wird Musik für den Konzertsaal. Elektronische Klanggesten bleiben als ästhetische Erinnerung erhalten, gewinnen in der instrumentalen Fassung jedoch an Atem, Reibung und körperlicher Präsenz.

Uraufgeführt: 26. Juli 2025, Mizzou Festival, durch Alarm Will Sound

Bobby Ge (*1996) macht das Digitale schließlich selbst zum Kompositionsprinzip. You Are a Topological Donut bewegt sich zwischen Konzertmusik, Videokunst, Gaming-Ästhetik und Meme-Kultur. Die für das Stück entwickelte Animation erweitert die Komposition um eine visuelle Ebene rund um den titelgebenden Donut – ein ikonisches Objekt der Internetkultur, das hier zur ebenso humorvollen wie irritierenden Metapher einer Gegenwart wird, in der Realität, Simulation und digitale Bilderwelten unauflöslich ineinandergreifen. Ein Algorithmus sorgt dafür, dass die Bilder aufgrund des Inputs des Keyboard-Spielers im Orchester live generiert werden.

Bobby Ge zitiert vertraute Klanggesten, sampelt sie und versetzt sie in immer neue Zusammenhänge. Die Musik springt spielerisch zwischen klassischer Instrumentalmusik, Minimal Music, Pop und Internetästhetik, ohne sich dauerhaft einer dieser Welten zuzuordnen. Sie verhält sich beinahe wie ein Social-Media-Feed: assoziativ, überraschend und ständig in Bewegung – als würde das Internet selbst komponieren.

»One of my most constant fears in life is reaching the day when my mother can’t hear me or listen to music. She has congenital hearing loss and I still clearly remember the day when as a kid I understood what that meant. The terrifying thought of her one day not being able to understand me or being able to enjoy music has always been a persistent but seemingly distant dread, but a lot of that has become more imminent recently. The past year we received the news that her hearing loss reached fifty percent in one ear. After that moment, even in the most mundane situations in life, I often think about ›how would my mom listen to this?‹ with the help of a website that simulates the effect of different types of hearing loss, this piece strives to answer that question. The piece takes short samples of many songs that I didn’t necessarily like, but that my mom used to listen to a lot when we were growing up, and reimagines them through a filtered and maximalist lens. Sonically, the piece slowly morphs from a muted and dark soundscape into a brightly colored and vibrant texture that mirrors my mother’s congenital chronic condition.«

»The original Hanabi was a short piece of electronic music wherein I played with the similarities between the bulletproof kevlar articulation of marching percussion and the pops and sizzles of a fireworks show. (Hanabi 花火 = Japanese for ›fireworks‹). This was also the first time I ever incorporated the sound of metronomes into my music (a creative delight that has proven endlessly fruitful to this day). I wanted to create a subtle transition: from the organized structure of metronomic time to the chaotic entropy of random explosions.

After that track was released, I transcribed the marching tenors, drums, and bass, with an eye to turning it into something that could be played live. This extended version of Hanabi turned out interestingly different enough that I actually recorded it and included it on my next album as Hanabi (in-ear extended mix). If Aphex Twin could remix himself I figured I could too. 

Eventually, Hanabi (in-ear extended mix) entered the ears of one Miles Brown, and next thing I knew — a full arrangement for Alarm Will Sound was born, bringing marching tenors to the concert stage side-by-side with friends and metronomes.«

»This piece was conceived when a good friend of mine, Elicia Neo, mentioned to me that she was learning Blender, a free animation software that, for whatever reason, seemed singularly donut-obsessed. For reasons still unclear to me, animating a donut was the Blender equivalent of ›Hello, World!‹, and the more I thought about this, the more amusing yet existential the implications became. The donut seemed a perfect metaphor for the superficiality of the digital world, distinguished as much by its immediate appeal as by its fundamental emptiness. I wondered how many digital donuts existed by virtue of Blender, and I wondered how many were used as assets in video games, films, images, memes, and beyond.
 

It occurred to me that even prior to the onslaught of open-source generative AI models, there were probably more digital replicas of objects than there were actual objects in the world. Between photos, drawings, animations, emoji, and derivatives thereof, the digital realm – the virtual world, the ›metaverse‹, or whatever dystopic buzzword is next – was ever-growing and ever-deepening in its expansive, cannibalistic project of cataloguing every conceivable thought, symbol, and idea its screen-addled users could provide. And again, this was happening at a wildly uncontrolled rate even before the likes of ChatGPT were unleashed.

You Are a Topological Donut recounts, by way of its corny meditation stylings, a history of donut imagery. The piece begins with old-timey photos and moves through increasingly surreal animations, growing more and more nightmarish and bizarre as simulation, simulacra, and self become subsumed into a digital soup of hollow pixels. Even as it sinks into apocalyptic incomprehensibility, the music remains foolishly optimistic and bright-eyed to the very end.

This piece was written in collaboration with Elicia, who created and storyboarded all the animations in Blender. Many thanks to her and the brilliant musicians of Alarm Will Sound, whose daring and technical craft gave me the confidence to write something so enthusiastically absurd.«

Brittany J. Green (*1991) ist eine in North Carolina lebende Komponistin, Performerin und Pädagogin. Ihre Musik wird als »im besten Sinne filmisch« (Chicago Classical Review) beschrieben. Sie schafft gemeinschaftliche, intime musikalische Räume, die unmittelbare Reaktionen hervorrufen. Ihre Werke verbinden Klang, Video, Bewegung und Text, wobei oft die Beziehungen zwischen diesen Elementen hinterfragt und neu definiert werden. Sie studierte Komposition, Musikpädagogik und Musiktheorie an der UNC-Pembroke, der East Carolina University und der Duke University. Zahlreiche Preise zeichnen ihre Arbeit aus.

Brittany Greens Musik wurde weltweit aufgeführt, etwa durch das Chicago Symphony Orchestra, in der Carnegie Hall oder in Tanglewood. Sie arbeitet regelmäßig mit Rebekah Heller, Alarm Will Sound, dem International Contemporary Ensemble und dem JACK Quartet zusammen. Brittany hatte Residenzen beim Louisville Orchestra, im Virginia Center for the Creative Arts und im Atlantic Center for the Arts inne. Die Komponistin widmet sich auch der Musikforschung. Zu ihren Interessen gehören das Werk von Julius Eastman und Ansätze der Musiktheorie, der kritischen Theorie und der Queer Theory.

Alarm Will Sound ist 22-köpfige Band, die sich innovativen Aufführungen und Aufnahmen zeitgenössischer Musik verschrieben hat. Sie ist das Residenzensemble des Mizzou International Composers Festival. Die Gruppe veröffentlichte bereits zwanzig CDs, darunter Land of Winter, welches ihnen 2026 einen Grammy einbrachte.

Alarm Will Sound wurde von vielen renommierten Institutionen präsentiert und spielte auch internationale Touren. Das Ensemble demonstrierte sein Engagement für Bildung durch Residenzen und Aktivitäten u.a. an der Manhattan School of Music und der Princeton University. Highlights der letzten Jahre umfassen etwa ein nächtliches Konzert mit John Luther Adams Ten Thousand Birds an der Pariser Philharmonie während der Nuit Blanche oder Mary Kouyoumdjians Paper Pianos im Experimental Media and Performing Arts Center.

Das Gastspiel von Alarm Will Sound wird gefördert durch Mid Atlantic Arts über USArtists International, ein Programm in Partnerschaft mit National Endowment for the Arts and the Trust for Mutual Understanding.

Alarm Will Sound bedankt sich herzlich bei seinen einzelnen Spendern und den folgenden Stiftungen für ihre Unterstützung: Aaron Copland Fund for Music, Amphion Foundation, Alice M. Ditson Fund der Columbia University, BMI Foundation, Cheswatyr Foundation, Fan Fox and Leslie R. Samuels Foundation, Howard Gilman Foundation, New Music USA’s 2026-27 Organization Fund und die Sinquefield Charitable Foundation.

Der mit einem Grammy ausgezeichnete Dirigent Alan Pierson ist der künstlerische Leiter von Alarm Will Sound. Er unterhält enge Partnerschaften mit zeitgenössischen Komponist:innen. In hochgelobten genreübergreifenden Projekten trifft er mit Künstler:innen verschiedener Sparten zusammen. Pierson ist Co-Leiter des Northwestern University Contemporary Music Ensemble. Er war Intendant des Brooklyn Philharmonic sowie Chefdirigent des in Dublin basierten Crash Ensemble, ist ein gefragter Gastdirigent und hat mehr als 30 Alben veröffentlicht.

Als herausragender Interpret zeitgenössischer Opern leitet Pierson Produktionen mit renommierten Institutionen. Zu den Highlights der letzten Jahre zählen Mary Kouyoumdjians und Royce Vavreks Grammy-nominiertes Adoration sowie David T. Littles Adaption für Alarm Will Sound von Garth Greenwells gefeiertem Debütroman What Belongs to You. Im Herbst 2026 wird er Steve Reichs Music for 18 Musicians: Staged Variations im Park Avenue Armory dirigieren.

Eli Stine ist ein Medienkünstler und Softwareentwickler, dessen Musik international aufgeführt wird. Darüber hinaus ist er Assistenzprofessor für Computermusik und digitale Kunst am Oberlin Conservatory. Zuvor arbeitete er bei Meta Reality Labs Audio Research. Er promovierte an der University of Virginia als Jefferson Fellow. Stines Arbeit umfasst immersive elektronische Musik sowie Mixed-Reality-Storytelling. Viele seiner Projekte sind interdisziplinär. Sein Sounddesign für die Virtual-Reality-Installation VRWandlung, eine Adaption von Franz Kafkas Die Verwandlung, tourt seit 2018 weltweit durch über 50 Städte. Sein Werk Where Water Meets Memory wurde international aufgeführt und gewann den Prix CIME Electroacoustic Music Competition 2025. Stines Werke sind bei Labels wie New Focus Recordings oder Naxos Records erschienen.