Nachdem die Uraufführung seiner ersten Sinfonie 1897 zu einem Desaster geraten war – unter anderem, weil der Dirigent in trunkenem Zustand ans Pult getreten war –, wollte Sergei Rachmaninow nie wieder komponieren. Erst nach einer langen und intensiven ärztlichen Behandlung gelang es ihm langsam, musikalisch wieder Fuß zu fassen. Zum erweiterten Genesungs-Prozess zählte eine mehrmonatige Reise nach Italien. Dabei bereitete er den berühmten Bassisten Fjodor Schaljapin in bester Korrepetitoren-Manier am Klavier auf einen Auftritt als »Mefistofele« in Arrigo Boitos gleichnamiger Oper an der Mailänder Scala vor.  

Sogar an das Komponieren dachte Rachmaninow wieder, er sammelte Ideen und fertigte Skizzen an, denen er anschließend auf seinem russischen Landgut konkrete Ergebnisse folgen ließ: Er arbeitete an seinem zweiten Klavierkonzert und vollendete eine Suite für zwei Klaviere. Spätestens der Schlusssatz »Tarantella« (ein schneller, sich zunehmend verwirbelnder süditalienischer Volkstanz, der gegen Tarantel-Bisse helfen soll) nimmt unmittelbaren Bezug auf die noch frischen Italien-Erlebnisse. Die Suite sprüht insgesamt vor Lebensfreude. Wie weit weg scheinen hier Rachmaninows depressive Phasen. Noch im Oktober 1901 führte Rachmaninow die neue Suite in Moskau mit seinem Lehrer und Cousin Alexander Iljitsch Siloti zum ersten Mal auf. Seither ist sie aus den Programmen von Klavier-Duos kaum mehr wegzudenken. 

»Hallelujah Junction« – unter diesem Titel veröffentlichte John Adams seine Autobiografie, in Anlehnung an das ebenso betitelte Werk für zwei Klaviere aus dem Jahr 1996. Der Titel bezieht sich auf eine der vielen LKW-Raststätten nahe der Grenze zwischen Kalifornien und Nevada, entlang der US 395, einer knapp 900 km langen Straße quer durch Kalifornien. An besagter Stelle erhebt sich die Straße 1.500 Meter über den Meeresspiegel – und Adams selbst besitzt dort in der Nähe eine eigene Blockhütte in den Bergen.

In vier einander eng verbundene Abschnitte hat er seine Komposition eingeteilt, ohne die einzelnen Sätze genauer zu bezeichnen. Prägend ist die rhythmische Struktur, die, nach Adams’ eigener Aussage, die Motive zwischen den beiden Klavieren hin- und herspringen lässt und sie miteinander verzahnt – daher auch das Wort »Junction« im Titel (dt. Kreuzung, Knotenpunkt).  

1998 wurde das Werk von Grant Gershon und Gloria Cheng erstmals aufgeführt, da beide Pianisten Adams um ein neues, ›kurzes‹ Stück gebeten hatten. Gewidmet ist es Ernest Fleischmann, dem langjährigen Geschäftsführer des Los Angeles Philharmonic.

Im ersten Moment ist man versucht, Franz (Peter) Schubert, den berühmten Komponisten, zu verwechseln mit Franz (Ludwig) Schubert, dem Autor mehrerer musikalischer Bücher (etwa »Katechismus der musikalischen Formenlehre« von 1863) – und Bearbeiter von Beethovens »Eroica« für Klavier vierhändig.  

Dieser wenig bekannte Schubert stammte aus dem sachsen-anhaltinischen (Bad) Dürrenberg und ist 1868 in Leipzig gestorben. Komponiert hat Schubert wenig, dafür umso mehr Werke bearbeitet. Um 1830 richtete er Wolfgang Amadeus Mozarts »Così fan tutte« für Klavier zu vier Händen ein, später legte er auch den »Figaro« nach, er arrangierte Ouvertüren von Felix Mendelssohn Bartholdy, Vincenzo Bellinis »Norma« und fünf Bühnenwerke von Albert Lortzing, schließlich zwei Sinfonien von Beethoven, die Sechste und die »Eroica«.

Diese Bearbeitungen fallen in die Blütezeit der Klavier-Transkriptionen. Natürlich bildete Franz Liszt mit seinen virtuosen Konzert-Arrangements die Speerspitze, doch zu einer Zeit, als das Klavier in den bürgerlichen Wohnstuben immer verbreiteter wurde, zählte auch das vierhändige Klavierspiel zu einer der meist praktizierten Formen häuslichen Musizierens. Eine kaum überschaubare Fülle von Arrangeur:innen sättigten den hungrigen Markt mit Bearbeitungen. Die meisten von ihnen sind heute vergessen, auch Franz Ludwig Schubert.

Gegen die Musik der Zweiten Wiener Schule hat sich Ravel stets verwahrt: »Ich habe sie immer als eine intellektuelle Pose betrachtet.« Sagte ausgerechnet er, Ravel, der keine Note ohne feinste Akribie aufschrieb. So verwundert es nicht, dass er sich mit »La Valse«, dem Abgesang auf den Wiener Walzer, mehr als vierzehn Jahre lang herumgeplagt hat.  

Bereits in einem Brief vom Februar 1906 vermeldete er, dass er »eine Hommage an Johann Strauß« plane. Bis 1914 wollte er das Ganze »Wien« nennen, Untertitel: »poème symphonique«. Später überschrieb er sein Werk mit: »La Valse. Poème choréographique«. Nachträglich hielt er dazu folgende Gedanken fest: »Durch wirbelnde Wolken hindurch sind Walzer tanzende Paare schwach erkennbar. Allmählich zerstreuen sich die Wolken: Man gewahrt eine ungeheuer riesige Halle mit einer wirbelnden Menschenmenge. Die Szene wird allmählich heller. Das Licht der Kronleuchter verbreitet sich in strahlendem Fortissimo. Ein kaiserlicher Hof, um 1855.« Neben allem Strahlen, allem rauschhaften Glanz und Glamour impliziert »La Valse« aber auch eine ganz andere Form der Apotheose: den schwarzen, pessimistisch-katastrophennahen Taumel des Ersten Weltkriegs. Die Energie des Walzers erfährt eine Sinnumkehrung von feinem psychologischem Kalkül.  

Schon kurz nach der Uraufführung im Jahr 1920 bearbeitete der Komponist sein Orchsterwerk für zwei Klaviere.

Die amerikanische Pianistin Claire Huangci, Gewinnerin des ersten Preises sowie des Mozartpreises beim Concours Géza Anda 2018, zieht ihr Publikum durch »glitzernde Virtuosität, gestalterische Souveränität, hellwache Interaktion und feinsinnige Klangdramaturgie« (Salzburger Nachrichten) in den Bann.

Gestartet hat Claire Huangci ihre internationale Karriere bereits im Alter von neun Jahren mit Konzertauftritten und Wettbewerbserfolgen. Sie begann ihr Studium am Curtis Institute of Music in Philadelphia, bevor sie 2007 zu Arie Vardi nach Hannover wechselte. Sie gewann als jüngste Teilnehmerin den 2. Preis beim Internationalen ARD Musikwettbewerb 2011.

In Solorezitalen und als Partnerin internationaler Orchester konzertierte Claire Huangci bereits in bedeutenden Konzertsälen wie der Carnegie Hall New York, der Suntory Hall Tokyo, der Philharmonie de Paris, der Elbphilharmonie Hamburg und der Franz Liszt Akademie Budapest sowie bei renommierten Festivals wie dem Lucerne Festival, dem Rheingau Musik Festival oder dem Klavierfestival Ruhr.

Kit Armstrong, geboren 1992 in Los Angeles, ist ein wahres Multitalent. Von der New York Times als »brillanter Pianist« gefeiert, begann er bereits mit sieben Jahren (!) das Studium der Komposition und der Physik. Es folgten Studien in den Fächern Klavier, Orgel, Mathematik und Chemie. Seine Kompositionen werden heute bei Edition Peters verlegt und von prominenten Klangkörpern, etwa dem Gewandhausorchester Leipzig und dem Musikkollegium Winterthur in Auftrag gegeben.

Als Solo-Pianist arbeitete Armstrong mit vielen der weltweit gefragtesten Dirigent:innen zusammen, darunter Christian Thielemann und Robin Ticciati sowie mit Orchestern wie den Wiener Philharmonikern und dem NHK Symphony Orchestra. Er war Artist-in-Residence bei den Festspielen Mecklenburg-Vorpommern 2018 und ist langjähriger Partner der Akademie für Alte Musik Berlin.

Seit dem Kauf der Kirche St. Thérèse im französischen Hirson hat er ein medial viel beachtetes sozio-kulturelles Zentrum geschaffen, das regelmäßig Konzerte und interdisziplinäre Projekte veranstaltet.