Julia Grabe: »Ah ja, das ist von einem:r Schwarzen Komponist:in, aber das ist trotzdem wirklich gute Musik!«, heißt es oft, als wäre das ein Ding der Unmöglichkeit. Als Schwarze Person, als Frau und insbesondere als Schwarze Frau ernst genommen zu werden und dieselbe Anerkennung und Erinnerungen an das eigene musikalische Werk zugestanden zu bekommen, wie als weiße Person, insbesondere als weißer cis-Mann, scheint historisch betrachtet ein Ding der Unmöglichkeit. 

Jakob Nierenz: Es ist wirklich Wahnsinn... Unsere Kultur, wie wir über Komponist:innen allgemein sprechen – wo vom Genie gesprochen wird und wo nicht – ist alles höchst fragwürdig und drückt sich dann in so etwas aus, wenn man ein Konzert mit Schwarzen Komponist:innen macht und keiner sie kennt. 

Musstest du persönlich auch schon Erfahrungen mit diesem Druck machen, immer einen Schritt mehr gehen zu müssen, um am selben Ziel anzukommen? 

Schwer für mich zu sagen, weil ich super dankbar bin für alles, was ich mache und dass ich überhaupt in der Position bin, dass ich so ein Programm bei einem großen Festival mit meinem Quartett spielen darf. Von daher will ich mich da nicht beschweren, aber ich kann das nachempfinden. Und habe das auch schon gefühlt – ja, das ist normal. Es bleibt enorm, das ganze Rassismusthema. Ich glaube, dass den meisten nicht bewusst ist, wie verheerend es ist.

Für mich als Musiker hat es sich also sehr sinnvoll angefühlt, zu sagen, ich will Experte auf dem Gebiet sein. Ich will Schwarze Komponist:innen kennen, lebend oder tot. Und ich will die Musik präsentieren. Es fühlt sich immer sehr erfüllend an, als Künstler mit dem Programm Aussagen zu treffen. Wir haben das Glück, das jetzt auch in Bonn machen zu dürfen, um dem Publikum einen neuen Gesprächsraum zu eröffnen.

Gab es Herausforderungen für euch bei der Erarbeitung des Programms?

Die Musik von Florence Price ist wahnsinnig farbenreich, zwischen Wagner und Debussy. Alles scheint ganz leicht, aber die Instrumentierung ist sehr vielschichtig. Es dauert, da den richtigen Sound und das richtige Pacing, das richtige Tempo zu finden. Es gibt einfach keine Aufführungspraxis, an der man sich orientieren kann. Das macht es spannend, weil die Musik, die sie schreibt so unglaublich dicht werden kann. Sich in diesem Dickicht noch transparent zu bewegen und alles durchzuhören, das ist allerdings sehr herausfordernd. So simpel ihre Musik vielleicht klingen mag, ich finde es richtig schwer. 

Gab es Besonderheiten, die euch bei der Arbeit mit diesen Stücken aufgefallen sind?

Ich muss sagen, was ich als Schwarze Person bei all diesen Komponist:innen fühle, ist ein Bezug zur nicht-europäischen-Kultur. Da gibt es Themen aus Spirituals. In Eleanor Albergas Musik spürt man karibische Elemente. Die Identität ist Teil dieser Stücke, würde ich sagen. Das finde ich auch so spannend, dass es für alle Komponist:innen irgendwie darum geht, Schwarze Kultur zu präsentieren und wirklich in den Konzertsaal zu bringen.

Wer aufmerksam das Programm gelesen hat, dem ist aufgefallen, dass zwei Stücke am heutigen Abend den Titel »Calvary« tragen (dt. Kalvarienberg, der Hügel, an dem Jesus gekreuzigt wurde). Auch wenn die Versionen von Florence Price und Coleridge-Taylor Perkinson musikalisch kaum unterschiedlicher sein könnten, teilen sie sich doch einen gemeinsamen Ursprung: das sogenannte Black Spiritual »Calvary«.

Diese Gattung stammt aus den Zeiten der Sklaverei und steht damit für den dunklen Teil der Geschichte, in dem Menschen kein eigenes Zuhause haben und ihrem eigenen Zuhause gewaltsam entrissen wurden – trauriger Teil des diesjährigen Festivalmottos »Nach Hause/Daheim«. Parallel zur Kolonialisierung des nordamerikanischen Kontinents durch europäische Einwander:innen zu Beginn des 17. Jahrhunderts begann die brutale Verschleppung und Versklavung von Menschen aus Afrika im US-amerikanischen Bundesstaat Virginia. Auf großen Plantagen, vor allem in den Südstaaten, wurden Schwarze Menschen in Scharen zu Zwangsarbeiter:innen degradiert. Bis 1860 waren es etwa vier Millionen, die Opfer dieser Verbrechen der Kolonialist:innen wurden. 1865 wurde die Sklaverei in den USA offiziell abgeschafft – bis heute finden sich noch Spuren und Überreste im Land.

1750 begannen die europäischen Einwander:innen die religiöse Bekehrung der versklavten Menschen zum Christentum. Bei mehrtägigen Zusammenkünften hunderter Menschen verschiedener Glaubenszugehörigkeiten, sogenannten ›camp-meetings‹, entstanden dabei neue geistliche Lieder: Spirituals, abgeleitet vom englischen »spirit«, auf Deutsch (heiliger) Geist. Daraus entwickelten sich zwei ähnliche, aber doch von Grund auf verschiedene Formen – Schwarze, damals abwertend »Negro-Spirituals« genannte Gesänge und Hymnen der weißen Bevölkerung. 

Distinktive Charakterzüge der Schwarzen Spirituals waren etwa umgangssprachliche Texte sowie musikalische Besonderheiten, etwa Synkopen (gegen den Takt verschobene Akzente), Blues-Terzen oder Blues-Septimen (charakteristische Tonschritte, die leicht von der Standard-Stimmung abweichen) und das Praktizieren des Call & Response-Prinzips, bei dem ein:e Vorsänger:in eine Zeile vorsingt und die Gemeinde diese wiederholt oder mit einer anderen dazu passenden antwortet. Inhaltlich beschäftigten sich die Spirituals häufig mit Geschichten aus dem Alten Testament, welche mit Erfahrungen der versklavten Menschen verknüpft wurden. 

Neben den Spirituals entstand im 19. Jahrhundert die heutzutage bekanntere Gattung der Gospel-Songs, welche auf den Evangelien des Neuen Testaments basieren. Während das Komponieren von Gospel-Songs bis heute fortgeführt und weiterentwickelt wird, wurde das Schreiben der Spirituals Ende des 19. Jahrhunderts eingestellt. In den 1930er-Jahren wurden sie als Widerstandssymbol in Europa populär.

Florence Price war sich der strukturellen Hürden bewusst, denen sie als Schwarze Komponistin und Frau begegnete, und kämpfte zeitlebens um Anerkennung. Obwohl sie zu Lebzeiten nur begrenzten Erfolg hatte, unterstützten Dirigenten wie Frederick Stock ihre Arbeit und trugen dazu bei, ihr Werk für spätere Generationen zu bewahren. Ein Großteil ihres Œuvres galt lange als verschollen und wurde erst 2009 wiederentdeckt, darunter bedeutende Orchesterwerke.

Das eröffnende Stück basiert auf dem Black Spiritual Calvary aus den Südstaaten der USA. Die zweite Nummer greift Clementine auf, eine Ballade, die nach dem Bürgerkrieg Ende des 19. Jahrhunderts in San Francisco große Beliebtheit erlangte und bis heute häufig von Chören an amerikanischen Colleges gesungen wird. Drink To Me Only With Thine Eyes wurde wenige Tage vor der amerikanischen Revolution von Siedler:innen an der Ostküste gesungen; der Text stammt aus dem Jahr 1616 von Ben Jonson, während die Herkunft der Melodie unbekannt ist. Heute ist das Lied als Volkslied weit verbreitet. Die vierte Nummer basiert auf mehreren Volksliedern. Die fünfte und letzte Nummer ist Swing Low, Sweet Chariot, ein sehr bekanntes und beliebtes Schwarzes Volkslied.

Colridge-Taylor Perkinson war Teil einer Gruppe junger aufsteigender Schwarzer Komponist:innen in den USA in den 1950er-Jahren, u. a. mit Thomas Jefferson Anderson (*1928), die alle ein ähnlicher Hintergrund prägte: Sie erlernten bereits im Kindesalter ihre Instrumente, spielten während ihrer Jugend in Jazzensembles und begannen sowohl Arrangements für ihre Ensembles als auch Eigenkompositionen anzufertigen. Sie inkorporierten vielfältige Elemente aus der Schwarzen Musiktradition, kombinierten sie nach Lust und Laune mit afroamerikanischen sowie europäischen Formen und Stilen wie Aleatorik (Zufallsmusik), serieller Musik und weiteren.

Perkinson beschreibt sein Streichquartett »Calvary« als ein Werk, das aus persönlicher Erfahrung heraus entstand, ohne bewusst auf ›Schwarze‹ Identität abzuzielen. Er war ein genreübergreifender Komponist mit Verbindungen zur Jazz- und Popwelt und arbeitete mit bedeutenden Künstler:innen zusammen. Das Werk wurde 2020 im Kontext der Würdigung Schwarzer Komponisten aufgeführt.

Jessie Montgomery ist eine mit GRAMMY-Award ausgezeichnete Komponistin, Violinistin und Lehrerin. Mit »Break Away« kombiniert sie komponierte und improvisierte Elemente basierend auf stilübergreifenden Experimenten des PUBLIQuartet. Es ist als fünfsätziges Werk angelegt, in dem sich feste Partitur und freie Improvisation ständig überlagern und weiterentwickeln. Jeder Satz hat eine eigene musikalische Idee, die von Webern-inspirierter Struktur bis hin zu jazz- und improvisationsbasierten Ansätzen reicht.

Geboren als unehelicher Sohn einer versklavten Frau und eines französischen Kolonialisten wurde Joseph Bologne Chevalier de Saint-Georges von seinem Vater offiziell anerkannt und kam gemeinsam mit seinen Eltern nach Paris, wo man ihm eine vielversprechende Zukunft eröffnen wollte. Bologne entwickelte sich zu einer der herausragenden Persönlichkeiten seiner Zeit: Neben seiner Tätigkeit als Komponist war er ein virtuoser Geiger und ein Fechter von Weltrang. Heute wird er häufig aufgrund seines musikalischen Stils als »Schwarzer Mozart« bezeichnet, wobei man davon ausgehen kann, dass die Beeinflussung der künstlerischen Entwicklung eher in die andere Richtung geschah.

Eleanor Alberga wurde in Kingston (Jamaika) geboren und zeigte bereits früh Interesse an Musik, zunächst als Pianistin und später als Komponistin. Nach ihrer Ausbildung in Jamaika studierte sie an der Royal Academy of Music in London und war zunächst als Konzertpianistin tätig, bevor sie sich ab 2001 vollständig der Komposition widmete. Ihre Werke verbinden tonale Strukturen mit rhythmischer Vielfalt und sind häufig von ihrer karibischen Herkunft geprägt, zugleich zeigen spätere Kompositionen eine stärkere Hinwendung zu Dissonanz.

Das Rothko String Quartet sieht es als Herzensaufgabe, die Musik marginalisierter Komponist:innen sowie weniger bekannte Werke der klassischen Musikgeschichte zu Gehör zu bringen und somit den Kanon der Streichquartettmusik aktiv weiter auszudehnen. Zusätzlich zur Aufführung neu komponierter Musik interessiert sich das Quartett für die Auflösung der Grenzen zwischen den (musikalischen) Genres und arbeitet mit Produzent:innen, Komponist:innen und Improvisator:innen und bildenden Künstler:innen zusammen.

Das Quartett gestaltet innovative Konzertprogramme, die auf renommierten Festivals der klassischen Musik, wie etwa den Ludwigsburger Schlossfestspielen oder dem Düsseldorf Festival!, zur Aufführung kommen. 2025 folgte eine erste USA-Tournee nebst weiterer Festival-Debüts. In der Saison 2026/2027 wird das Rothko String Quartet u. a. beim Festival Liedstadt in der Elbphilharmonie Hamburg sowie dem Konzerthaus Berlin Gast sein; zudem stehen eine weitere USA-Tournee und die Veröffentlichung eines Albums an.