Die Sonate für Violine und Klavier ist César Francks Meisterwerk. Sie lässt Francks Glanz bis heute strahlen – auch auf Kosten seiner anderen Werke, die ihren eigenen öffentlichen Sonnenschein verdient hätten, darunter viele bedeutende Orgelwerke und die große Sinfonie in d-Moll. 

Franck komponierte seine Violinsonate im Sommer 1886 und widmete sie, als Hochzeitsgabe, dem großen Geiger und Komponisten Eugène Ysaÿe, der sie am 16. Dezember desselben Jahres in Brüssel uraufführte. Womöglich jedoch hat Franck die Sonate in Ansätzen schon knapp 30 Jahre früher begonnen, sie dann aber liegengelassen. Auf dem Höhepunkt seines künstlerischen Schaffens griff Franck seine alten Ideen wieder auf und veredelte sie gleichzeitig.

Francks Komponisten-Kollege Vincent d’Indy urteilte, dieses Werk sei »das bedeutendste und reinste Modell für den zyklischen Einsatz von Themen in der Sonatensatzform«. Dabei unterscheidet er drei melodische Grundzellen, auf denen »dieses wahrhaftige musikalische Monument« errichtet ist; diese Zellen bringen das Material hervor, aus dem die Sonate konstruiert ist. Anders gesagt: Franck arbeitet mit einer Art ›idée fixe‹, mit einem Themen-Motto, das sich durch alle Sätze zieht – ein Prinzip, das zuerst sein Landsmann Hector Berlioz erfunden hat. Zumindest im Ansatz könnte man auch von einem leitmotivischen Charakter im Sinne Richard Wagners sprechen. Für seinen Schülerkreis hingegen bedeutete diese zyklische Struktur den endgültigen Beweis, dass Franck der (einzig) legitime Nachfolger Beethovens war.

Der erste Satz war anfangs in einem langsameren Tempo angelegt, doch als Franck ihn von Ysaÿe schneller spielen hörte, beschleunigte er die Vorgabe auf ein munteres Allegretto. Von der einleitenden Phrase an fließt die Musik sanft und geschmeidig dahin. Das anschließende Allegro bildet mit seinen Ausbrüchen ungestümer Energie zwei unterschiedliche Themen heraus, die mit Episoden besinnlicher Ruhe abwechseln. Der dritte Satz gibt sich zunächst wie ein Bach-Rezitativ. Den Kern bildet wieder jene melodische Zelle, die erstmals im Kopfsatz zu hören war. Das Finale, Allegretto poco mosso, ist hell und strahlend, schlicht, majestätisch und unwiderstehlich.

Nemanja Radulović erklärt, dass für ihn in der Musik Sergei Prokofjews »etwas Fantastisches« lauert, denn sie scheint ständig »zwischen Licht und Schatten zu wechseln und nach Wahrheit zu suchen, indem sie Kontraste, Sarkasmus, Magie, Liebe, Ironie und Schönheit« miteinander vereinigt. »Wenn ich seine Musik spiele, kommt es mir vor, als spräche ich mit jemandem, der zugleich von brillantem Witz und tiefster Verletzlichkeit beseelt ist.«

Radulović ist mit Prokofjew aufgewachsen, »und seine Musik klang für mich stets wahrhaftig, ganz gleich, welchen Ausdrucks sie sich gerade bedient«. Diese Liebe ist kontinuierlich gewachsen.

Der ›Große Terror‹, Stalins politische Grausamkeiten, zerschlug die ursprünglichen Pläne. Prokofjew wurde unmittelbar Zeuge, als am Kirow-Theater der zuständige Theaterdirekter Sergei Radlow aus seinem Amt befördert wurde. Inszenierungen verschwanden vom Spielplan, Verträge über ausgehandelte Produktionen galten nicht mehr. Damit scheiterte auch Prokofjews Romeo und Julia-Projekt zunächst. »Ich ging nach Moskau, wo der damalige Chefdirigent des Bolschoi-Theaters […] mir sofort mitteilte, dass – sollte es um Romeo gehen – das Theater umgehend bereit wäre, einen Vertrag mit mir zu unterzeichnen.« Im Sommer 1935 kam es zum Abschluss. Doch als Prokofjew im Herbst sein neues Werk erstmals am Klavier und vor versammelter Mannschaft mit Tänzer:innen, Choreograf:innen, Orchestermusiker:innen und Dirigent präsentierte, lichteten sich schnell die Reihen. Am Ende herrschte die eindeutige Meinung: Zu so einer Musik kann man nicht tanzen. Die geplante Aufführung wurde fallengelassen.

Der Erfolg kam erst über Umwege. Kleine Orchestereinlagen, zu Suiten gebündelt, waren es, die über Rundfunk und Konzertaufführungen dem Werk allmählich zu seiner heutigen Popularität verhalfen. Die Uraufführung des Balletts erfolgte 1940 in Brünn (heute Brno). Mehrmals bearbeitete Prokofjew dieses Werk später – als Serie von zwölf Klavierstücken und als Suiten für Orchester.

Die Handlung kreist, wie bei Shakespeare, um zwei seit Generationen verfeindete Adelshäuser in Verona. Romeo, Sohn des Grafen Montague, und Julia, Tochter des Grafen Capulet, begegnen sich bei einem Maskenfest und verlieben sich ineinander. Die berühmte Balkonszene darf auch bei Prokofjew nicht fehlen. Heimlich lässt sich das Paar trauen, so wollen sie zur Versöhnung der beiden Familien beitragen. Doch dieser Versuch geht gründlich schief. Die Tragödie nimmt ihren Lauf.

Im Jahr 1947 schreibt Prokofjew eine Sonate für Geige solo. Der Auftrag kommt vom Komitee für Kunstangelegenheiten in der Sowjetunion. Man wünscht sich ein Lehrstück für begabte Violinist:innen. Daher auch der ursprüngliche Gedanke, dass dieses Werk einstimmig von mehreren Geigerinnen und Geigern gespielt werden soll. Dieser Ansatz verrät auch, warum das Werk auf sonderlich virtuose Passagen verzichtet.

Prokofjew gibt sich klassisch und komponiert drei Sätze: den ersten in traditioneller Sonatenform, den zweiten in Form von einem Thema mit fünf Variationen, den dritten nahe am Stil einer Mazurka. Die Uraufführung erfolgte erst im Juli 1959 in Moskau. Da war Prokofjew bereits sechs Jahre tot.

Während einer Konzertreise durch London hörte Ravel 1922 eine Aufführung seiner eigenen Sonate für Geige und Cello. Anschließend bat er die ungarische Geigerin Jelly d’Arányi, für ihn zu improvisieren und zwar im damals klischeehaft den Sinti und Roma zugeschriebenen Idiom. Davon angestiftet begann er selbst mit einer Komposition, die diese Einflüsse verarbeitete. Allerdings zog sich die Fertigstellung bis 1924. 

Das Werk ist der ungarischen Tanz- und Musikform Csárdás verpflichtet und technisch sehr anspruchsvoll. Nach langsamer Einleitung gewinnt die Musik an Fahrt. Ravel verwendete eine typische traditionelle Tonleiter, hergeleitet aus harmonischem Moll – ein bezeichnendes Merkmal für folkloristische Musik. Dieses Material verarbeitete er zu komplizierten, vielstimmigen Griffen der Geige und rauschenden Läufen, Trillern, Dehnungen und Beschleunigungen.

Der serbisch-französische Geiger Nemanja Radulović, Gewinner des Opus Klassik-Preises 2024 für die Konzertaufnahme des Jahres sowie 2015 als Newcomer des Jahres, beschreibt die Konzertbühne als sein »zweites Zuhause«. Er war Gewinner mehrerer internationaler Violinwettbewerbe, tritt regelmäßig mit renommierten Orchestern auf, tourt und gibt ausverkaufte Konzerte mit seinem Ensemble Double Sens in bekannten Konzerthallen. Dieses Kammerorchester leitet er regelmäßig von der Geige aus. Kürzlich entstand mit Double Sens der Musikfilm Unique mit Werken von Bach, Vivaldis Vier Jahreszeiten und einer neuen Bearbeitung von Rimsky-Korsakows Scheherazade. 

Aufnahmen wie sein Beethoven-Album (2023) und sein zweites Bach-Album (2024) mit Double Sens spiegeln Radulovićs unermüdliche Neugier und seinen Entdeckungsdrang wider. Er präsentiert auf seinem Debütalbum ROOTS eine Klangreise, die von seinen vielfältigen Einflüssen inspiriert ist. Sein vorheriges Album Baïka ist gefeiert und wurde mit fünf Sternen sowie dem begehrten Critics’ Choice Award ausgezeichnet.

Nach ihrem Studium am Konservatorium von Avignon gewann Laure Favre-Kahn im Alter von 17 Jahren einstimmig den ersten Preis für Klavier am Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Als Gewinnerin des Adami Classical Revelations 1999 nahm sie im Alter von 20 Jahren ihr erstes Schumann-Album auf, gefolgt von einem Chopin-Album beim Label Arion. Im Jahr 2001 gewann sie den ersten Preis bei der ProPiano International Competition in New York und gab im selben Jahr ein Recital in der Carnegie Weill Hall. Sie tritt regelmäßig in Frankreich und im Ausland auf, wurde von zahlreichen Orchestern eingeladen und spielte bei den größten Festivals. 

Seit 2005 arbeitet sie mit dem Geiger Nemanja Radulović zusammen. 2018 wirkte sie an seinem neuesten Album Baïka mit, das bei der Deutschen Grammophon erschien. Darauf haben sie und der Klarinettist Andreas Ottensamer das Khatschaturjan-Trio aufgenommen. Im September 2024 erschien ihr 13. Album Dédicaces. Für dieses originelle Programm haben 14 Persönlichkeiten jeweils ein Werk ausgewählt, das Laure Favre-Kahn aufgenommen hat.